¿Pueden los colores “en acuarela” tener un
ADN? En anteriores videos de nuestro canal de Youtube, hemos hablado que la
acuarela como técnica, posee un conjunto de datos e información que puede compararse
a manera de metáfora, con la “molécula del ADN”, que nos revela cinco (5)
factores muy importantes: Lo histórico, técnico, creativo, lo curioso hasta
místico e incluso lo personal. En esta presentación veremos ahora el concepto
que hemos denominado el “ADN de colores en acuarela”, que no es otra cosa que
el compendio informativo de “cómo surgen los pigmentos en el arte”
empezando con las tonalidades básicas o colores primarios. En este artículo
hablaremos del “color amarillo”, más específicamente una
serie de pigmentos llamados los “Amarillos de Cadmio”. Conozcamos más
sobre su “ADN”, bajo los cinco campos de estudio que hemos determinado para su
análisis.
1. Historia:
Los “Amarillos de Cadmios”, no son vistos como un solo pigmento, sino como una
serie de variaciones de tonos de amarillo opaco; van desde las versiones más
suaves, pasando por las notas limón, hasta las más oscuras y profundas.
En el pasado, los artistas para obtener el
color amarillo, obtenían un color amarillo rico y profundo a partir de un pigmento
mineral que provenía del “Oropimente”, cuya traducción del Latín
significaba “Pigmento de Oro”. El color amarillo que generaba el
pigmento del Oropimente tenía buena cobertura y estabilidad;
resultó muy popular entre los pintores Renacentistas y ha sido
encontrado en trabajos del Antiguo Egipto y en pinturas por todo el Asia. Fue
hasta el siglo XIX, que el pigmento sintético fue descubierto por el químico
alemán “Friedrich Stromeyer” (1817); los amarillos cadmios se
convirtieron así en un color muy popular entre los artistas del Reino
Unido hacia la 2º mitad del siglo XIX. Superando dificultades iniciales
de calidad y abastecimiento, el célebre fabricante “Winsor & Newton”
presentó el “Amarillo Cadmio” en la “Exhibición de la Gran Exposición mundial del
Palacio de Cristal” en 1851.
*Foto: Gran Exposición mundial De Anónimo - Pilar de Miguel Egea: Del Realismo al Impresionismo, Historia 16, Madrid, 1989, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=17330916
2. Técnico: El
pigmento mineral amarillo del Oropimente, al contener un compuesto de sulfuro
de arsénico, resultaba tóxico y por lo tanto, tuvo que ser reemplazado en las
paletas de los pintores. Los Amarillos de Cadmio, fueron formulados con
pigmentos inorgánicos, como el sulfuro de cadmio y sulfoselenuro de
cadmio; brindándole a los mismos mucha estabilidad y facilidad de mezcla
con distintos medios, ideal para que puedan ser utilizados en distintas
técnicas artísticas. Los colores provenientes de los “pigmentos basados
en Cadmios” tiene buena permanencia, saturación o cobertura; son
resistentes a la luz y se distinguen por su hermoso brillo sobre el papel.
3. Creativo:El Amarillo de Cadmio creado a base de
los pigmentos inorgánicos, llegó a reproducir ese efecto de amarillo oro
de la antigüedad, con una concentración similar, buen grado de
cobertura y saturación; hoy día estas cualidades en todos los colores
“Cadmio”, no sólo los amarillos, no ha podido ser igualadas por ningún
otro tipo de pigmento creado. De hecho, colores como el rojo,
naranja y por supuesto amarillos, creados con pigmentos basados en los Cadmios,
son los más populares entre los artistas; reemplazando así a los
colores originados por otras fuentes que resultaban tóxicas. Su preferencia se
debe entonces no sólo a sus cualidades artísticas, sino a sus ventajas en
temas de salud con respecto a sus antecesores.
El pintor del movimiento De Stijl, a inicios
del Sigo XX: Mondrian, usaba dos “Colores Cadmios “muy
específicos” en su paleta de contados elementos: El Amarillo
Cadmio y el Rojo Cadmio. Junto también con blanco, negro y el
“Ultramarino Francés”, estos colores juntos a los tonos basados en cadmios
en la obra de Mondrian, distinguen hasta la fecha a la misma, con su
brillo y calidad.
4. Místico:
Como creación, el “Amarillo de Cadmio” reemplaza a los pigmentos
minerales, no por un tema de distancia o costos como en el caso
del azul ultramarino del lapislázuli, sino por una cuestión de salud, por
lo tóxico que resultaba emplear el color derivado del Oropimente. En la
actualidad, algunos artistas de la pintura consideran que el tema de los
“colores cadmios” debe ser revisado por sus implicaciones en la salud y el
ambiente, ya que se producen a base de metales. Marcas importantes como
Winsor & Newton indican que los pigmentos cadmios
empleados en su fabricación son insolubles y por lo tanto seguros
para trabajar con ellos. Si el tema es de interés de algunas personas,
al momento de preparar este material, marcas inglesas de acuarela como
“Winsor & Newton”, “Daler Rowney”, poseen hojas informativas con
datos sobre la seguridad de sus productos para descargar en sus sitios
web.
Cabe destacar que actualmente, la compañía Winsor
& Newton describe la opción de “Amarillo de Cadmio” para
acuarela, como un color con las bondades de los pigmentos originales de Cadmio,
pero hecho a base de pigmentos de “arilida”, desarrollados
también en Alemania, a inicios del siglo XX.
5. Personal:El Amarillo de Cadmio en acuarela, además de
ser esencial para paisajes de cielo abierto, es ideal para crear efectos
de luz. En lo personal al momento de pintar, disfruto dar algunas
pinceladas con este brillante amarillo que al disolverse se degrada
hermosamente y ayuda a dar un detalle especial de iluminación.
Puedes probarlo en alguna parte de tu composición o convertirlo en el
protagonista de tu obra.
"Extracto de Acuarela "Plátanos a la Paparazzi". De: Melissa Guardia.
La Navidad es una época especial, llena de
personajes clásicos, pero giran principalmente en torno al nacimiento de
“Jesús”, del “Niño Dios”, de su madre María. Más allá de las tradiciones
navideñas, el Arte guarda representaciones artísticas, que no sólo
han imaginado esas escenas de la historia bíblica, sino también han colocado
detalles que hasta hace poco, parecían ser un elemento más en una
pintura religiosa, pero se han convertido en una especie de “secreto
revelado” que ahora podemos entender bajo esta posibilidad: ¿Es
el Nacimiento de Jesús, un evento con matices “inexplicables”, incluso dentro
de la categoría de “misterios ovnis”?
La Natividad de noche” (1490), del artista Geertgen tot Sint Jans.
Si el arte nos ha contado una “historia
de un resplandor como el sol” cuando nació el “Niño Jesús”, entonces qué
representa “La Estrella de Belén”. Astronómicamente, en los tiempos de
la “Natividad de Jesús”, se dieron varias conjunciones planetarias, pero, tal
vez, la más significativa es la que sucedió a finales de abril y
principios de mayo del año 5 A.C., donde los planetas Júpiter,
Venus y Saturno quedaron alineados y equidistantes en la constelación de Piscis,
pudiendo interpretarse como una señal. De acuerdo a grabados que
realizaron astrónomos chinos, una brillante luz apareció en el cielo en lo que
hoy podemos interpretar como “una nova” entre las constelaciones del
águila y capricornio el día 31 de marzo del año 5 A. C.
Lo cierto es que al igual que hay una
interpretación “tradicional” de la historia de la “Navidad”
representada en el Arte, pues también está aquella, que bajo otra
interpretación, encuentra simbolismos y posibilidades. Para muchos, la
luz desde la estrella que alumbraba el pesebre. podría ser lo que en
ufología se conoce como una “sendra”; es decir, un túnel desde un ovni u objeto
sin identificar en el firmamento. De igual forma bajo esta premisa,
la presencia de ángeles en el pesebre podrían ser seres superiores
extraterrestres. Este enigma posee otros testigos, también claves en la
historia de la Natividad y representados en el Arte: “Los Reyes Magos”.
Según el Evangelio de Mateo, una brillante
estrella guio a los “Magos desde Oriente” hasta detenerse “sobre
el lugar donde se encontraba el niño” y “al entrar a la casa, vieron al niño
con María, su madre” (Mateo 1:24). Los tres Reyes Magos presentan sus regalos al
“Niño Jesús” y se arrodillaron ante Él y le ofrecieron presentes de oro,
incienso y mirra.En la pintura “La Adoración de los Magos” de Sandro
Botticelli (1478) quien crea varias obras famosas de esta temática, que
eran popular en su ciudad natal, Florencia, Italia; se plasma la
famosa escena bíblica,conservada en la Galería de los Uffizi en dicha
ciudad.Esta pintura es un cuadro pintado al temple sobre tabla
que mide 111 cm de alto y 134 cm de ancho.
“La Adoración de los Magos” es una
obra famosa por su altísima calidad y, además, por la
identificación de los personajes representados, entre ellos varas
personalidades de la época, pertenecientes a los Médici, los mesenas de
Boticelli. Curiosamente, entre los asistentes en la escena, al
extremo de la derecha de la composición, se ve al propio Sandro Botticelli,
vestido con un manto amarillo. Pero también resalta otra
particularidad, un resplandor a modo de rayos que atraviesa el techo del
portal donde está la Virgen con el Niño y San José; por la variedad de
personajes, se interpreta que son más de “Tres Reyes Magos” como
tradicionalmente se habla.
Pero lo más curioso es que es
una representación con “Luz de Día” de la “representación de la visita de los
Reyes Magos”, y no de noche, como estamos acostumbrados a imaginarnos
el momento. Aquí es donde este “particular destello de rayos” sobre el
portal, bien podría encajar en la idea de que la “Estrella de Belén”, era algo
más, pudiendo ser un artefacto que en los aires, sobrevolara
iluminando el lugar donde se encontraba el “Niño Jesús”. Una interpretación que para la “Tradición
Religiosa y el Arte Clásico” resultaría exagerada, pero podríamos
buscar otro ejemplo en el “Arte” que guarde algún “detalle secreto”
sobre la historia de “Los Reyes Magos”.
“Adoración de los Reyes Magos” (1512), de “Lazzaro Bastiani”.
En otro cuadro sobre la “Adoración de
los Reyes Magos” (1512), pero en este caso del artista “Lazzaro
Bastiani” (1429-1512), también del Renacimiento Italiano, se trata
de una obra de 28cm x 52cm, siendo una pintura al temple sobre madera, dondeencontramos una tradicional escena de la “Visitación de los Reyes”;
en la composición se aprecia el “trío tradicional de Magos”, llegando
a ver al “Niño Dios” en el Portal junto a “María y José”.
Una especie de
caravana a caballos se aprecia detrás, pero es en el firmamento donde se
observan los “detalles reveladores”: Un trío de plataformas
flotantes, sobre los cuales se observan unas figuras sin rostro
definido, apoyadas incluso en una especie de barandal, a modo de
testigos que desde lo alto, contemplan la escena de la “historia divina”. ¿Pudiera
ser un simbolismo de ángeles celestiales? ¿O son, en pleno
“Renacimiento”, un testimonio de una “tecnología” que oscila más en el
tema de los “ovnis”, presentes en un cuadro de una de las escenas
“más famosas de la Natividad”? Mucho más al fondo, se divisa otras dos
plataformas, pero por la distancia, sin tanta definición.
Ante estas posibilidades o “secretos”,
quiénes son los “Reyes Magos”, aquellos testigos de lo que bien
puso ser una “Estrella o una Luz de un Fenómeno Inexplicable”. Según el
Evangelio del Pseudo Mateo, que en el arameo de origen se tituló: “Libro sobre
el nacimiento de la beata Virgen y la infancia del Salvador”, señala
que los magos no llegaron a adorar a Jesús pocos días después de su
nacimiento, sino al cabo de unos dos años, lo que concuerda con el pasaje
bíblico sobre la decisión de Herodes de mandar exterminar a todos los niños
menores de dos años. También en el texto se señala la posible cantidad de
“Reyes Magos, Sabios del Oriente”, que llegaron ante el Niño Jesús: “Alguien opinó que fueron tres, según el número de
los dones, otros dijeron que eran doce hombres, hijos de sus reyes; y otros
aseveraron que eran diez, de estirpe real y acompañados con un séquito de cerca
de mil doscientos hombres”.Así es
como entendemos, la posibilidad de que los Reyes Magos de Oriente, fueron
acompañados por una caravana, inspirados o guiados por una “fuente de luz” más
brillante que el sol.
Los “Secretos del Arte” sobre la “Navidad”
son tan peculiares, como el detallado trabajo de “Pintores Clásicos”
que representaron elementos de la “divinidad” de una particular forma: Desde
objetos en el cielo que parecen ovnis, hasta “pastores” y “Sabios del Oriente”
testigos de una “Luz Sobrenatural”. Quizás el Arte ha tratado de
contarnos la misma “Historia Tradicional de la Natividad”, pero a través de una
mirada diferente que entiende que los “milagros divinos”,
no sólo provienen del firmamento, sino de algo inexplicable todavía, pero
cercano a lo que llamamos “tecnología”.
La casa
del futuro podrá transformarse a través de la vegetación,
para encontrar un balance con la tecnología que irá en aumento. Los
árboles, arbustos, plantas y grama se están convirtiendo en verdaderos materiales
con los cuales construir, mediante la incorporación de jardinería
de todo tipo en distintas zonas, incluyendo azoteas, techos y muros.Los beneficios de este tipo de prácticas
radican en poder crear “microclima”, al reducir el calentamiento de las
superficies que elevan la temperatura ambiental, al proveer de más
sombra y por ende generando confort, que se traduce en ahorro energético.
Para conservar en el tiempo el éxito de estos diseños, es necesario la participación
y entrenamiento de los habitantes, para darle un adecuado uso,
mantenimiento y cuidado de las zonas verdes incorporadas. ¿Qué
factores y posibilidades hay que considerar para que una casa obtenga un
carácter o apariencia “verde”?
Los retos que tiene el concepto de casas para
el futuro es entender de qué se tratan las posibilidades de diseño que
incorporan la naturaleza en unidades de vivienda. Podemos comenzar
clasificando las opciones de una casa “más verde” empleando plantas,
en dos grandes grupos: “Los Techos Verdes y Las Paredes Verdes”.En este particular apartado,
nos concentraremos en entender sobre “las cubiertas verdes”. Un techo verde, se puede definir como un
sistema que brinda un espacio natural, el cual es creado por medio de distintas
capas: Desde la Impermeabilización, aislante térmico, Barrera
Anti raíz, Drenaje, irrigación y filtro, suelo y plantas.
La construcción de un techo verde
dependerá del tipo de cubierta: “Plana o Inclinada”. Una
cubierta inclinada reduce el riesgo de un eventual deterioro
causado por el agua, por lo que requiere de menos capas de protección.
El primer paso consiste en evaluar el peso del techo verde, un
profesional del diseño estructural deberá evaluar si la vivienda o
edificio es capaz de soportar el peso del techo verde elegido. Hay
factores a considerar en este apartado como el “peso del sistema de
cubierta verde a colocar”, el peso de un contenedor modular puede
estar en el orden de 195 kg/m² (40 lb/ft²); según sea la
resistencia de la cubierta, se deberá considerar aumentar la
misma y reforzar el techo existente, para que sea capaz de soportar con
seguridad el peso adicional por la instalación del techo verde. El siguiente
paso es aplicar una capa deimpermeabilización para
evitar todo tipo de filtraciones para que no se acumule agua,
descartando la aparición de humedad que dañe la estructura; de igual gorma, es
importante verificar que funcione el desvío del exceso de lluvia a los
sistemas de drenaje del techo.
Después de los pasos preliminares para la
preparación de la cubierta, se prosiguen con las siguientes capas del “Techo
Verde”: El aislante térmico, es empleado según la incidencia de la
energía solar que el techo absorbe; comúnmente puede utilizarse “poliestireno
extruido”. Adicionalmente, se incluye una “Capa Barrera o
Antiraíz” para que las raíces de las plantas no penetren a las
demás capas del sistema. Se prosigue con la “Capa de drenaje”,
cuya función es dar salida al exceso de agua y puede hacerse de arcilla
expandida, grava, etc. La capa de drenaje es fundamental para el
sistema de techo verde y su espesor puede variar de 7
cm a 10 cm. Se incluye también una “Capa Filtro” que evita
que el agua de las lluvias y los riegos arrastre las partículas del suelo del
techo verde; para ello se utiliza una “manta geo textil”.
Tras esta adecuación, se procede a la instalación
de las bandejas contenedoras de las plantas (plant trays). Se
recomienda que cada una de las plantas debe haber sido cultivada
durante al menos cuatro meses previamente a su instalación, para su
correcto desarrollo en el techo verde. Las “bandejas de plantas” se colocan
después de instalar los bordes de protección a lo largo del techo; dichas “bandejas
con plantas” se disponen en filas comenzando por la parte más baja del techo
y en el caso de una cubierta inclinada, se instalará de abajo hacia
arriba. De no distribuir las bandejas de jardinería estrictamente de
esta manera, deberá siempre considerarse para el borde de la cubierta,
la selección de una planta que tenga el crecimiento deseado para el
diseño verde.
Con respecto a la composición del “suelo”,
se recomienda un sustrato orgánico de buen drenaje, de
preferencia un suelo arcilloso con una composición mineral
de nutrientes que favorezca el crecimiento de las plantas.
El espesor varía con el tamaño de las plantasy
cuanto más grande sea la planta mayor deberá ser la profundidad del suelo.
Sobre la elección de la vegetación, los factores que inciden son
el clima, el tipo de sustrato y mantenimiento para el techo. Una vez instalado
un sistema de “techo verde, se aseguran los bordes al techo y se
puede optar por regar las plantas para ayudar a que se adapten a
su nuevo entorno. La instalación de un techo verde permite ganar puntos
de créditos de LEED (Leadership in Energy and Environmental Design), un
programa que premia la construcción y mantenimiento de edificios
altamente ecológicos; incluso la certificación LEED puede beneficiar
económicamente a los proyectos.
En el
sexto fresco que pintó Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, no sólo ilustró la
porción de la historia del “Génesis” sobre el “Pecado Original” y la “Expulsión
del Paraíso”, sino también representó un personaje de una forma muy particular.
Enroscándose en un árbol que por sus hojas, se trata de una higuera, aparece
una serpiente, aquella astuta criatura que hizo caer a “Adán y Eva” al
tentarlos a comer del fruto del “Árbol del Bien y del Mal”. Lo curioso es
que para la representación de esta serpiente, símbolo del mal, “Miguel Ángel”
le da un torso femenino, un cuerpo de mujer. De este particular detalle
en una de las obras más emblemáticas de la “Historia Bíblica”, surge la leyenda
y para otros la posibilidad que esta mujer se trate de: “Lilith, la 1º
esposa de Adán”. ¿Pero cuál es la historia de Lilith?
Lilit o Lilith es una figura
legendaria del folclore judío, de origen mesopotámico. Se la considera la
primera esposa de Adán, anterior a Eva y el origen de la leyenda
que presenta a Lilith como primera mujer se encuentra en una interpretación
rabínica del Génesis (Gen. 1, 27); donde hay dos momentos que hablan de
la creación del “hombre y la mujer”: Uno donde Dios dio a Adán una esposa
llamada Eva, formada a partir de su costilla (Génesis 2:4-25), y el
otro donde Dios creo al hombre a su imagen y semejanza, incluida a la mujer:
«Creó, pues, Dios al hombre a su imagen; a imagen de Dios lo creó; varón y
mujer los creó«. Hay quienes interpretan este momento en la Biblia
como un mismo hecho explicado dos veces, pero hay otro
significado posible: El planteamiento que Dios creó en primer lugar una
mujer a imagen suya, formada al mismo tiempo que Adán, y
sólo más tarde creó de la costilla de Adán a Eva. La primera mujer
sería Lilith, la cual abandonó a su marido y el jardín del Edén.
Hay algunas interpretaciones religiosas
bajo una óptica cristiana sobre el “Mito de Lilith”, que a pesar
de no ser un concepto oficial dentro de las raíces hebraicas, a ella se
le atribuye la caída del Edén. Según la leyenda “no bíblica”, Lilith abandonó
el Paraíso y se instaló junto al Mar Rojo, uniéndose allí con Samael, que se
convirtió en su amante, y con otros demonios. Físicamente se la representa con
el aspecto de una mujer muy hermosa, con el pelo largo y rizado,
generalmente rubia o pelirroja, y a veces alada. Se dice que Adán y
Lilith nunca hallaron armonía juntos como pareja, sintiéndose
humillada por tener que obedecerlo para complacerlo, por lo que cuando Adán
trató de obligarla a seguir sus órdenes, Lilith encolerizada pronunció el
nombre mágico de Dios, se elevó por los aires y lo abandonó.
La versión más famosa
de Lilith bajo una óptica cristiana es la de las pinturas de la Capilla
Sixtina, de Miguel Ángel; hay quienes opinan que en el famoso freso
Renacentista, Lilith está representada como el demonio que tentó a Adán y Eva
en el Paraíso, mostrada como mitad-mujer, mitad-serpiente. La
pregunta sería: ¿Sabía Miguel Ángel de la existencia de Lilith como la 1º
esposa de Adán; nos quiso revelar este secreto desde su pintura? Como
hemos explicado, la existencia de “Lilith” es un “Mito No Oficial”,
por lo que tradicionalmente en la pintura de Miguel Ángel, la representación de
la “serpiente con cuerpo de mujer”, sólo tiene el simbolismo
propio del Génesis de ser la serpiente que tienta a comer el fruto prohibido;
pero hay que reconocer que a simple vista, es una figura ingeniosamente
representada enroscada en el tronco del árbol y con un claro torso
femenino. Para entender si esta figura es sólo un elemento casual,
habría que apreciar los detalles en la obra de Miguel Ángel y
saber qué grado de importancia le daba a los “simbolismos” en su trabajo
artístico.
Los frescos de la “Capilla Sixtina”
pintados por “Miguel Ángel”, representan una combinación sin igual de “arquitectura
y arte”. Un compendio de escenas de la historia “Bíblica” se despliegan
sobre la bóveda, intercalando figuras humanas que destacan por
encima del fondo y cuyos detalles y rostros impregnan de un gran
dramatismo a las escenas elegidas. En el caso del “segmento” del “Pecado
Original”, ubicado en la franja central de la bóveda, se
trata de un fresco grande, teniendo tantos elementos que parece ser el
más grande de todo el conjunto. En él hay seis figuras, las
figuras de “Adán y Eva” que se encuentran del lado izquierdo son
totalmente distintas a las del lado opuesto, pero tampoco se parecen
a los de los otros frescos de la “Creación”.
En el fresco del “Pecado
Original”, Adán es rubio, de cuerpo maduro, ya no
es un joven; posee una fisonomía grande y musculosa. Junto a él y
recostada se encuentra Eva, de aspecto masculina, musculosa y muy poco
femenina. La escena está dividida en el centro magistralmente por
este carácter de una “serpiente enroscada” al tronco, con el detalle del pecho
o seno en el torso y el cabello un poco largo; revelando su
identidad femenina. Del lado derecho está el ángel que realiza la
expulsión del Paraíso, vestido con túnica roja y apunta con una espada
el cuello de Adán. Los dos personajes principales a la derecha, “Adán y Eva”, aparecen
envejecidos, de rostro deformado y arrugado, demostrando la tristeza
que los aflige.
Como vemos, para “Miguel Ángel” las
figuras de los frescos de la “Capilla Sixtina” no fueron elegidos
sin que tengan un propósito emotivo dentro de la narrativa de sus pinturas.
¿Conocía Miguel Ángel la historia de Lilith como la 1º esposa de Adán, le
encomendaron contarle al mundo entero la intervención de “Lilith” como la
serpiente del Paraíso?¿Se atrevió “Miguel Ángel” por cuenta propia a
relatarnos una verdad de la historia “Bíblica”? El Papa Julio II
encargó a “Miguel Ángel” en 1508, la decoración de la “Capilla Sixtina”;
trabajo que el maestro renacentista estuvo renuente a realizar, hasta sugerir
que debía ser mejor encomendado “Rafael” para esas labores. Es hasta que
desarrolla una 2º propuesta que “Miguel Ángel” realiza esta famosa obra (1508-1512)
que hace que resplandezca en la bóveda, el personaje de “Lilith”; como
una figura vencida, pero también revelada, por la acción de la luz en la
pintura.
Lilith hoy día es un arquetipo mucho
más estudiado, analizado y se está convirtiendo en un tema muy popular.
Hay una gran cantidad de personajes femeninos de corte “antagonista o
villana” inspirada en las cualidades tipo “femme fatal o mujer
fatal” de Lilith, de gran belleza, seductora y demoniaca;
como también se estudia bajo el prisma de una figura iconográfica que
representa la “libertad de las mujeres” o incluso la “lucha
por sus derechos”. Lilith, la
mujer mitad humana, mitad animal, otras veces bella y seductora; pero
siempre controversial y un secreto cada día más a la vista de todos.
***
¡Regresamos al Blog, luego de
construir nuestro canal de Youtube; tenemos mucho contenido que compartirles,
éste es el primero de una serie de artículos que hemos preparado para ustedes!
Descubre más temas misteriosos que conoce el
Arte en el siguiente video: Secretos del Arte 5: Misterios❓ de Castillos y
Drácula, Casa Ennis, Lilith en Capilla Sixtina. 🏰📐🖼️
1. Los Visionaros: Aquellas
personas que son capaces de encontrar un chispazo de inspiración con el
cual llenar una hoja en blanco, son los rostros visionarios. Estas
personas inician todo el proceso de trabajo artístico, porque están en busca de
nuevas y buenas ideas, con las cuales comenzar a cambiar las circunstancias. El
mejor ejemplo es precisamente una hoja en blanco, que puede comenzarse a llenar
en una etapa muy preliminar con las primeras ideas que corren por la mente;
también puede entenderse cuando se reúne una serie de información que alimente
la capacidad creativa: Fotos, imágenes, colores, texturas, formas, etc.
El visionario puede dar inicio a todo este camino Artístico hasta a veces sin
directamente proponérselo, porque la inspiración lo puede sorprender
donde menos se lo imagine y de ahí pasará a llenar el papel en blanco de ideas
o a comenzar a desarrollar o desglosar más la misma; incluso a detectar colores
en un paisaje. Los visionarios son también aquellos que ven algo de una
manera distinta a los demás, son los que pueden observar más allá
de las cosas y circunstancias y darles un nuevo valor.
Un ejemplo, uno
de los rostros más vistos en el Arte Clásico, la diosa Venus en el “Nacimiento
de Venus” de Sandro Botticelli, para muchos entendidos el rostro de esta diosa
no era otra que Simonetta Vespucci, considerada la musa y amor platónico del
maestro Botticelli. Él veía en esta mujer no sólo el amor, sino también la
representación de la “diosa del Amor” y hoy este rostro de la diosa Venus, es
uno de los más conocidos en el Arte.
2.2. Los Transformadores: Tras
la inspiración, aparecen los rostros de los transformadores, aquellos que
conocen una técnica artística y se ponen manos a la obra, para que las ideas
pasen de conceptos, a la realidad. Cuando comienza a correr los colores
de pintura, las técnicas artesanales y constructivas a ponerse en marcha, vemos
el fascinante momento en que los materiales se transforman y le dan forma y
vida a la inspiración. Un ejemplo visualmente impactante puede ser la
confección de una escultura, donde el material cambia de forma y se convierte
en una nueva expresión. De forma especial, la técnica de la acuarela, que es la
forma Artística que empleo, me ha brindado ver el rostro transformador del
arte, porque cada pincelada, hace que un tubo o pastilla de pigmento, se diluya
en agua y se aplica al papel dejando una huella de color. De la suma de estas
huellas, se construye una obra “en acuarela”, a propósito de nuestro nombre
como concepto de Arte. Los transformadores
disfrutan de su técnica, desarrollan un estilo propio que deje una firma en el
trabajo que realizan y que las personas puedan reconocer cada
vez que vean su trabajo. También les gusta aprender nuevos métodos que
completen lo ya aprendido, respetan mucho los aspectos teóricos y buscan
trabajar con los mejores materiales, para garantizar óptimos resultados. El
trabajo de un “transformador” puede ser individual o colectivo, pero siempre
será minucioso, abarcará muchas horas de dedicación y cuidará rigurosamente
cada paso que se dé en pro de impactar con la mejor obra final. La
habilidad “transformadora” del arte es la que nos habla de la alta capacidad
técnica artística de alguien, al grado de sorprendernos y preguntarnos cómo
alguien puede crear algo.
Uno de los rostros más sorprendentes y
enigmáticos: “La Mona Lisa” de Leonardo Da Vinci, una obra afamadísima, no sólo porque se debate la identidad de la modelo, pero también
impactante por su técnica, que es lo que ha llevado a las personas a admirarla
y a preguntarse sobre la mujer retratada. Pintada en óleo y retocada
varias veces por el autor, se considera ejemplo de uno de los mayores logros de “esfumado”,
técnica muy característica del maestro “Da Vinci”,para dar una
impresión de profundidad, más allá del plano de enfoque.
3.Los Innovadores: La
siguiente habilidad artística es representada por el rostro de la innovación,
que es precisamente dar un paso más allá de la visión inicial y de la mejor
expresión de capacidad técnica artística. El
innovador busca ir en pro de algo que supere su obra anterior, y no se conforma
con sólo tener la inspiración inicial y la técnica
constructiva para una idea; por lo que en el camino, se hace preguntas para
hacer que sus propuestas y conceptos puedan romper parámetros y sorprender
mucho más de lo que ya lo ha hecho. La innovación
no tiene que ser complicada, con pequeños detalles o giros a lo convencional,
se traza la ruta a la renovación de las ideas, sin que estas se
desconecten del plan original. Habrán pasos más osados que otros, pero el
innovador siempre cuidará que la integridad de su trabajo permanezca, respetando
y valorando los trazos originales de visualización y transformación. El
innovador puede encontrarse con el deseo de rebasar los límites de su originalidad desde el propio inicio de su obra o proyecto, pero será en el
desarrollo de su inspiración y construcción de sus ideas, que podrá
definir con mayor claridad el elemento que impulse a otro nivel su propio concepto creativo. Lo anterior nos indica que la innovación es sinónimo de
crecimiento y madurez de las habilidades artísticas, un rostro que aparece
luego de desarrollar nuestra imaginación a base de visualizar nuevas ideas y
aprender las mejores destrezas.
"El innovador siempre cuidará que la integridad de su trabajo permanezca,
respetando y valorando los trazos originales de visualización y transformación".
Un claro ejemplo de innovación, son las
pinturas de Frida Kahlo; donde muchos entendían el retrato como una
representación exacta de cómo nos vemos frente a los demás, ella plasmó
sus sentimientos junto a su rostro. Y en la obra “Las dos Fridas” (1939-arte
moderno mexicano), con una sencilla idea, replanteó ante todos, el concepto del autorretrato al duplicar su imagen, con dos Fridas
representando sus raíces mexicanas y alemanas, pero unidas por el corazón.
4. 4.Conectores: Tras
los deseos de innovación, aparecen las habilidades que perfeccionan el
trabajo artístico pensando más en lo detalles que no son tan obvios, pero que
pueden hacer una gran diferencia: De eso se encargan los conectores.
Esta parte del trabajo artístico es la que comienza a observar los
espacios y elementos que no habían sido considerados como importantes,
destacables, hasta inspiradores y los convierte en las piezas que puedan unir
las ideas seleccionadas y trabajadas inicialmente. Piensa mucho en el
color de fondo de una pintura o los espacios que se pueden formar entre un
objeto representado y el fondo elegido; esas pequeñas zonas también son
oportunidades para la expresión artística, elevando el resultado final a uno de
mayor calidad. El rostro de los conectores piensa en la presentación
final de la obra, buscando el detalle, perfeccionamiento y madurez de las
propias ideas y de la técnica. Los conectores no sólo pueden ser
artistas trabajando en su propia obra, tienen la capacidad de asesorar a
otros en sus propios procesos, e incluso pueden proponer llevar el Arte a zonas
donde no estamos acostumbrados a ver la intervenciónde
expresiones creativas. Un ejemplo claro es la alianza entre
desarrollo urbano, paisajismo y Arte; la unión de todas estas
disciplinas ha innovado y dinamizado zonas que no parecían tener la utilidad y
vida que han podido manifestar.
Johannes Vermeer pintó “La
joven de la perla” (1665-1667, Óleo estilo Barroco), una de sus obras
más famosas.Como un especialista en
retratos y escenas costumbristas iluminadas por la luz, esta pintura es una
muestra de maestría en la técnica, pero también un claro avance en la
perfección del detalle: Una simple perla como zarcillo o pendiente,
conecta el juego de luz y sombras, las emociones, formas y colores elegidos; ese
sencillo elemento se ubica en una zona que parecía no ser de gran importancia,
hasta que se convirtió en el conector de toda la composición.
5 5. Armonizadores: Si
tras la innovación que marca también el deseo de crecimiento de las habilidades
artísticas, aparecen las destrezas de conexión de ideas y elementos como
resultado de la madurez; el rostro de los
armonizadores representa el completo manejo de todas las facetas del Arte,
hasta poder unificarlas en un solo resultado coherente y
balanceado. Precisamente, los armonizadores lo que más desean encontrar
como objetivo o resultado final, es un balance en su creación. La armonía
es el principio que unificará todas las demás tareas ejecutadas y elementos
elegidos, haciendo que aparezca delante de nuestros ojos, la obra final.
Si el rostro de los visualizadores se enfrenta al papel en blanco, trayendo
inspiración; los armonizadores hacen la acción contraria: Toman cierta
distancia del trabajo y desde uno o varios ángulos, hace una revisión del
resultado alcanzado. Posteriormente revisará que la obra tenga de
principio a fin una esencia en común en todos sus aspectos y que la
misma pueda percibirse al momento de contemplar y disfrutar del trabajo
presentado.
Los armonizadores garantizan, de principio a fin, que una obra de arte guarde una esencia en común en todos sus aspectos.
El rostro de quien
armoniza, no sólo puede aparecer hacia las fases finales de la labor creativa;
a medida que se desarrollan las demás habilidades y la madurez en cada una de
ellas, se podrá buscar el factor armónico desde el inicio de la visualiza
de la inspiración, y tenerlo presente en cada una de las posteriores fases o
rostros que hemos descrito. Es así como al momento de transformar los
materiales y herramientas en Arte, se podrá pensar en mantener o descubrir la
armonía; la innovación también implicará no romper con la misma y la capacidad
de ser conectores, nos llevará a asegurarla.Los rostros
armonizadores reflejan la sabiduría del trabajo y el deleite por todo el
proceso artístico; resaltando los factores en común que se han acumulado en
casa fase. Un trazado, una gama de colores y texturas o un elemento que
amarre toda una composición, es la firma de la armonía que pone el rostro
más observador y conocedor de cualquier forma de creatividad.
Un claro
ejemplo, es la obra “El Beso” de Gustav Klimt, (1907-08), su obra más famosa; reúne varias tendencias como
la naturalista a través de materiales como la hoja de oro y engloba dos
corrientes artísticas: La secesión vienesa (modernismo) y el simbolismo,
abriendo camino a la abstracción. Tomando en cuenta la reunión de todos
estos elementos, colores y formas, hay un factor común que unifica todo el
conjunto, intercalándose zonas menos ocupadas donde los tonos dorados bañan la
obra, logrando un resultado final armónico.
Los rostros del Arte representan las
habilidades que tanto individual, como colectivamente, ejercemos
consciente o inconscientemente, al momento de trabajar empleando nuestra
creatividad. Una persona laborando por su cuenta, podrá transitar y
expresar cada una de estas tareas; mientras que, en el trabajo en equipo, las
mismas pueden ser designadas a personas específicas, aprovechando sus
cualidades. En esta alternativa de trabajo en colaboración, algunos serán
seleccionados para desarrollar las habilidades iniciales, como los
visionarios, otros emplearán sus técnicas transformadoras y los más
creativos podrán buscar la innovación; mientras que los más
expertos se dedicarán a velar por la conexión de todas las tareas y la
armonía en las mismas. Esto es válido no sólo para el Arte, sino para
todo proyecto creativo.
Te invitamos a ver la presentación de este tema, desde nuestro canal de YouTube. ¿Y tú, con cuál rostro del Arte te identificas?
