#Vida + #Cultura: 5 pasos para Decodificar el Amor al Arte.

 

Te recomendamos también estas anteriores publicaciones:

-#Inspiración: Decodificando el tono azul clásico, el color del año 2020. (Elegido por Pantone).

-Video: "5 Libros en mi Vida #EnAcuarela"

    Retomamos el #Blog con nuevos temas #EnAcuarela, en esta ocasión con 5 pasos para “Decodificar el Amor al Arte”. Si te has preguntado cómo interesarte en el Arte, cómo encontrar formas para aprender más sobre este tema, incluso por dónde comenzar a aprender, éste es el artículo que debes leer. Empezaremos señalando algo muy importante: El Arte está hecho para todo el mundo, porque lo realizan personas de todas las partes y usando todos los temas que existan como inspiración, la creatividad no tiene límites, pero puede tener pasos a seguir.

    El 1º que puedes usar para decodificar el “Amor al Arte”, es el color. Sí, hay infinitos colores y seguro tienes un o más tonos que son tus favoritos. Y si no los tienes los puedes escoger. Cuando te gusta un color, buscas objetos y elementos de esa misma tonalidad. Eso mismo hacen los artistas en sus obras, un color favorito, los puede llevar a una idea que puedan pintar y con un tono pueden llegar otros, hasta formar un juego o paleta que identifique su trabajo artístico. Si practicas alguna forma de Arte, el color puede llevarte a una buena idea. Si quieres aprender más sobre arte, a apreciarlo, interesarte por observar los colores que usa un artista, es un excelente 1º paso.

"Los colores son infinitos y puedes tener varias opciones como tus favoritos".

    Qué sería de cualquier persona que quiera aprender sobre un tema, sin un maestro, el 2º paso en esta decodificación. Y en el Arte, tenemos a grandes maestros de los cuáles aprender. Te preguntarás cómo encontrar a uno de estos maestros, cuyas obras han dado la vuelta al mundo y se han convertido parte de la cultura en general. Puedo mencionarte a Van Gogh, Miguel Ángel, Seurat, Degas, Monet, Picasso, Frida Kahlo, sólo por indicarte algunos. Todos ellos, cada uno en su época y en su momento, dejaron un legado universal. 

"Edgar Degas y sus famosas pinturas de delicadas y coloridas bailarinas".

 ¿Cómo hacer que uno de ellos sea tu maestro de Arte, cómo elegir uno? Pues dicen que uno puede saber de quién aprender, viendo sus obras. Si quieres aprender más sobre cómo apreciar o Amar el Arte, el 2º paso es elegir un maestro universal del cual estudiar su obra. ¿Cómo elegirlo? Muy sencillo, puedes buscar en internet bajo “maestros clásicos o vanguardistas del Arte o grandes maestros del Arte”, y ver en los resultados, qué imágenes te llaman la atención, o conectan con tu interés o imaginación. Ése será el paso inicial para ir descubriendo toda la obra de un gran pintor, su temática y claro, no te olvides de aplicar el 1º paso de descubrir los colores que les gustaba usar, para aprender más.

 

  "La pintura de George Seurat es un clásico ejemplo de cómo un lugar es la clave para una gran obra: Tarde de domingo en la isla de la Gran Jatte".

    El 3º paso para la decodificación del “Amor o aprecio al Arte”, es encontrar un lugar. Cuando observes una obra de Arte, tienes que pensar en un lugar donde el Artista encontró esa Inspiración. Muchas veces plazas, jardines, playas, castillos, edificios, paisajes naturales, fueron 1º descubiertos para luego ser plasmados en una gran obra de Arte. Te toca a ti, entonces, descubrir qué lugares pueden servirte como fuente para hacer Arte o en la vía contraria, descubrir y analizar en cada obra que veas, el lugar que fue encontrado para realizar un trabajo artístico, recordando incluso que los Artistas, pueden emplear un sitio físico como inspiración o uno creado desde su imaginación.

  

  "La Primavera de Boticelli es un ejemplo que mirando a un pasado mitológico, se crea una obra".

   Y como un 4º paso hacia entender el “Amor al Arte”, no nos podemos olvidar del factor tiempo. Cada Artista, puede moverse en el tiempo para encontrar su inspiración. Se puede mirar hacia el pasado, para inspirarse en técnicas clásicas de expresión, así como en temas como mitología, historia y demás. Se puede vivir en el presente tratando de sacar máximo provecho de los momentos, las modas y los adelantos de la época para hacer Arte. Piensa que lo que hoy es clásico, un día fue lo más novedoso. Y hay artistas que incluso se mueven en un tiempo futuro, pensando en una realidad que excede el tiempo en que viven. Como Da Vinci que pensaba en inventos que luego se convirtieron en realidad o en Picasso, que logró un lenguaje gráfico, que hoy día no ha perdido su impacto, incluso en tiempos como los de hoy con mucha tecnología y efectos especiales. De hecho, las pinturas abstractas pueden llegar a tener una representación atemporal de la realidad. Piensa en qué tiempo quieres inspirarte, ¿aprendes del pasado, vives el momento o visualizas el futuro? Y cuando veas una obra de Arte, piensa en qué momento vivió ese Artista y qué tiempo quiso representar.

"Leonardo Da Vinci tenía ideas futuristas, en especial en inventos que dibujaba".

   Y el 5º y último paso de esta decodificación es tener “alimento” para  tu creatividad: Desde una actividad, pasatiempo favorito o si no tienes uno, puedes reemplazarlo por un objeto curioso. ¿Por qué es esto importante, para aprender a amar o apreciar el Arte? Para nutrirlo y alimentar con nuevas ideas. Leer, pasear, escuchar música, hacer deporte, coleccionar objetos, ver películas, cocinar, lo que se te ocurre, puede alimentar tu imaginación. Hasta un objeto curioso puede ser el punto de inicio para un nuevo trabajo, sea por su color, forma o función. Cuando aprenda e investigues más sobre el arte, será como decodificar tus propios hábitos o los de un artista, para que puedas conocer más sobre el ser humano, detrás de una obra.

"Frida Kahlo es una muestra de cómo el artista refleja su estilo y amor por la vida".

    Con estos 5 pasos, no volverás a ver una obra de Arte como antes, las verás con mucho más amor, interés y aprecio. Te preguntarás por qué a ese Artista le gustaba esos colores, quiénes fueron sus maestros o qué ideas nuevas quiso experimentar para formar una nueva escuela, a qué lugares iba a buscar inspiración, con qué lugares soñaba o dónde vivió, qué momento en el tiempo le tocó experimentar y hacia dónde vio en su obra: Pasado, presente o futuro o quizás pensó en la atemporalidad. Y qué le gustaba hacer, que le ayudó a seguir haciendo Arte siempre y para siempre. O esos mismos planteamientos, lo puedes preguntar para tu propio camino para Amar Al Arte.

"Algunas obras de mi colección #EnAcuarela: Arte, en Tentación. Cada trabajo es reflejo de mi Amor por el Arte". 

   Puedes encontrar este contenido también en video, desde nuestro canal de Youtube. ¡Te invitamos a suscribirte!

¡Como siempre, que disfruten esta publicación y las demás en el Blog!

Un abrazo #EnAcuarela,

Melissa G.

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#Desde el #Taller: “Estrellas a Dos y Doce Tonos”.

#Desde el #Taller: “Estrellas a Dos y Doce Tonos”.

Te recomendamos el anterior artículo: #Desde el #Taller: ““El Poder de la Acuarela-Parte 1 y Parte 2”

    Retomamos otra vez nuestras publicaciones sobre el trabajo que hacemos #EnAcuarela, en esta sección “Desde el Taller”.  En esta ocasión le compartimos dos ensayos sencillos, pero muy interesantes, al pintar una estrella.  Empezamos con un taller que teníamos pendiente desde que visitamos el área de “Hollywood Boulevard” y que publicamos anteriormente en la sección de #Inspiración.

  El resultado de la búsqueda de inspiración por la ciudad de “Los Ángeless” fue el ensayo de pintar una composición usando las famosas estrellas rosadas sobre el revestimiento oscuro del “Walk of Fame”.  Este trabajo nos dio la oportunidad de mostrarles cómo pintar con dos tonos principales, como el color negro y el rosado, más pequeños detalles en blanco y dorado tostado.  Cuando trabajamos con un color como el tono negro en acuarela, la clave es crear capas de colores con tonos auxiliares como gris oscuro y azul marino, para lograr esa profundidad que brinda como en este caso, una superficie o piso que tiene ese color.  Para este ensayo, buscamos variar un poco la temática, jugando con la idea de un firmamento espacial que mezclaron los tonos oscuros y un rosado en la línea de los tonos fucsia, para crear el efecto de que la estrella de “Hollywood Boulevard”, está en medio de un juego de piezas de piso, donde algunas se transparentan para dar esa sensación de un cielo espacial, mientras otras conservan el acabado o textura de la piedra natural.

    Además de la descripción de este trabajo, los invitamos a ver el siguiente video, para que puedan ver no sólo parte del recorrido por el “Walk of Fame”, sino también tanto la parte técnica, como creativa, para hacer una obra con la acuarela de un elemento tan conocido como son estas famosas estrellas.  Parte de pintar también es crear algo nuevo. 

   Nadie nos puede indicar qué pintar y cómo pintarlo, es un proceso de un auto descubrimiento, pero la inspiración siempre puede alimentarse de lo que nos rodea y de lo que vemos, para producir y renovar ideas.  Con este recorrido #EnAcuarela, podrán no sólo conocer un poco de esta parte de la ciudad de “Los Ángeles”, sino también ver el desarrollo progresivo de esta “Estrella a Dos Tonos”.

    Y de dos tonos, pasamos a la estrella a “Doce Tonos”.  Este número de una vez podemos asociarlo con la cantidad de lápices de colores que pueden venir en una caja básica de estos materiales de arte, pero con la peculiaridad que para este trabajo, que fue una práctica rápida, empleamos “lápices de acuarela”, que no son otra cosa que lápices que nos permiten pintar aplicando un pigmento de color, que al transferirse al papel, podemos humedecerlo y el mismo se transforma en efecto acuarela.  Para probar una caja de colores de este tipo de uso para estudiantes, decidimos dibujar una estrella de la cual dividir secciones, donde aplicaríamos en cada parte un color que se mezclaría incluso con otros, para lograr dos tareas:  Ver cómo se comporta cada pigmento de color al usarlo como un lápiz convencional y al disolverlo con agua para descubrir su transformación en acuarela, así como también ver cómo reaccionan mezclados, dado que esta técnica ayuda que nuestros trabajos de arte tomen un carácter más interesante.

 Los resultados con cada color fueron muy variados, y cada pigmento reacciona ante el agua creando texturas diferentes, algunos disuelven más su pigmento que otros, los que menos disuelven su pigmento suavizan su trazado a una textura casi sombreada.  Tonos que se comportaron en esa línea fueron: Morado, rojo, rosado, chocolates (chocolate oscuro y claro), negro. Mientras que los tonos: Verde selva y caña (oscuro y claro), azul y celeste, amarillo, naranja, se disuelven con un efecto más de huella de color en el papel, para un mayor efecto de acuarela.

  La principal recomendación para este tipo de material de lápices de acuarela, es probar cómo se comporta cada color, qué podemos lograr con cada opción y cómo es el resultado final.  Una observación importante es que hicimos este ensayo a doce tonos, sobre un papel convencional, tipo papel bond o de impresión, tamaño carta.  Como podrán observar, el papel soporta la aplicación de agua, pero no queda perfectamente liso; sin embargo, estos lápices de acuarela son ideales para hacer precisamente bosquejos o sketches rápidos, que representen una idea, incluso sobre una hoja sencilla de papel, bien sea en hojas sueltas o en una libreta. 
     Si necesitas poner a volar tu imaginación, te recomendamos utilices estos dos ensayos que toman una misma forma, una estrella, y te permiten ver cómo algo sencillo, puede variar buscando dos distintos enfoques: Uno a dos tonos, más profundo e impactante y el otro colorido como llamativo.

    ¡Espero que estos trabajos “Desde el Taller”, los ayude a emprender grandes ideas llenas de imaginación!

  Como siempre, que disfruten ésta y todas las demás secciones del Blog.

¡Un Abrazo, #EnAcuarela!

Melissa G. 

#arte, #composición, #colores, #texturas, #formas, #estrella, #HollywoodBoulevard, #pintar, #acuarela, #cultura, #LosÁngeles, #lápices, #LápicesAcuarela, #mezclar, #combinaciones, #inspiración, #ensayo, #sketch, #tonalidades, #pintando, #ideas

    

#Desde El #Taller: “El Poder de la Acuarela-Parte 2”.

#Desde El #Taller: “El Poder de la Acuarela-Parte 2”.

Te recomendamos el anterior artículo: #Desde el #Taller: “El Poder de la Acuarela-Parte 1”.

      La composición libre #EnAcuarela está completada, “El Poder de la Acuarela”, y los avances que les voy a compartir les pueden brindar una buena guía de cómo pintar, no sólo en un aspecto técnico, sino en cuanto a inspiración y expresión.  Uno de los grandes retos de todo artista es escoger un tema y luego encontrar la forma en cómo expresarlo, lo mismo sucede con la pintura.  Por eso, para este rompecabezas de piezas de colores intensos, había que comenzar a matizar y balancear la intensidad, el efecto de un cielo de colores no sólo brindaba los tonos suaves necesarios para este propósito, sino también una temática diferente, como ingresar un paisaje que continuara la conversación en esta obra.

    Agregar un cielo de colores es valerse de una combinación de tonos que pueden ir dentro de la gama del celeste, pasando por el amarillo y las notas rojizas, la clave es lograr especies de capas que muy sutilmente se mezclen entre sí, de forma tal que uno note que son parte de un conjunto, sin que marcadamente parezcan piezas rígidas.  Y con la adición de este cielo colorido en acuarela, las líneas curvas definidas en un rosado intenso, usando el pigmento o color “permanent rose”, se convierten en una especie de pantallas donde interesantes elementos son desarrollados.  El otro toque temático viene dado por el toque de “fantasía”, para el cual añadimos también unas hojas con vetas o áreas de colores rosados y amarillo.  La clave fue aplicar primero estos tonos para luego cubrirlos en los bordes con los tonos verde oscuros, para un efecto más real o representativo de la naturaleza. 

     Tras estos elementos, a modo de dos pantallas con imágenes de fantasía y un firmamento, llegó la parte en ir completando la “conexión de colores”, que no es otra cosa más que ir coloreando los espacios de forma tal que seleccionemos tonos que de alguna manera unan los ya existentes en la composición.  Tal fue el caso de la parte central del dibujo, donde el fondo y colores de los troncos de “fantasía”, donde los tonos acuosos verdosos fueron un gran complemento para lo que ya habíamos pintado y las otras partes añadidas, donde repetimos el efecto de hojas de fantasía y de efecto de firmamento, hacia la franja oblicua de color turquesa.  En la parte superior izquierda repetimos la misma temática de firmamento, variando un poco con tonos más profundos, hacia los matices morados y en un pequeño espacio, invertimos un poco el orden de los tonos para reflejar más un paisaje de mar con un horizonte de cálidos tonos.

    El cierre final para este trabajo, fue la franja central en el extremo izquierda, donde la escogencia de colores fue clave para envolver en un gran círculo, toda la temática de la composición.  En este tipo de decisiones artísticas, es bueno dejar un momento la acción y simplemente analizar todo lo que hemos pintado.  Así fue como mediante la observación de nuestra pintura, decidimos que los troncos de fantasía tenían que ir acorde al cielo de profundos tonos morados, como un bosque bajo el anochecer y el fondo, tenía que unir las grandes piezas rojizas y rosas intenso dentro de la forma circular. 

 

   Con esa simple pieza pintada de último, fue como completar este rompecabezas de acuarela, donde descubrimos que de forma libre, sin saber cuál iba a ser el resultado final, logramos una historia armoniosa, colorida y en completo balance, los mejores valores del Arte y todo en una esfera mucho más especial, porque fue hecho completamente, #EnAcuarela!

Como siempre, que disfruten ésta y todas las demás secciones del Blog.

¡Un Abrazo, #EnAcuarela!

Melissa G. 

#arte, #composición, #forma, #libre, #colores, #texturas, #formas, #piezas, #rompecabezas, #pintar, #acuarela, #cultura, #poder, #fantasía, #luz, #bosque, #avances, #final, #completar, #fusionar, #tonalidades, #pintando, #completar, #balance, #EnAcuarela, #2017

#Desde el #Taller: “Pintando Papayitas-Parte 3”.

#Desde el #Taller: “Pintando Papayitas-Parte 3”.

Viene de artículo anterior: #Desde el #Taller: “PintandoPapayitas-Parte 2”.

    En esta última parte del artículo sobre “Pintando Papayitas”, vamos a descubrir cómo una práctica sencilla no sólo puede ayudarnos a afianzar conocimientos y técnicas, sino también cómo transformar una composición en algo mucho más impactante con elementos muy sencillos.  Empecemos con lo que es repetir varias técnicas para perfeccionarlas; pues éste es el objetivo de haber armado un dibujo donde básicamente repetimos cuatro (4) frutas idénticas, en este caso las coloridas papayitas. 

   La razón de hacer algo es así, es tener la oportunidad de repetir en cada uno de los elementos las destrezas y tácticas descubiertas a la hora de interpretar con acuarela frutas.  Si estuviéramos frente a un paisaje, por ejemplo, tendríamos que emplear distintos conceptos para cada elemento, pero para las papayas, aprendimos que no basta sólo con aplicar el intenso color naranja rojizo, debemos romper el trazado de las líneas, para dar la idea de un volumen pulposo, de una fresca y jugosa papayitas.  Lo mismo sucede con las pequeñas pepitas o semillas, aprendimos que para lograr un gran efecto, debemos romper con la idea de estar pintando bolitas de tono oscuro y por el contrario, necesitamos verlas como esferas con zonas oscuras y brillantes, así como valernos de la descomposición de todos los tonos que intervienen: Desde negro con tonos chocolates o negro con tonos grisáceos, hasta usar mezclas con un poco de blanco para transparentar y dar brillo.

     Otro concepto que nos da un ensayo de este tipo además de afianzar destrezas, es ver el cambio que va dándose gradualmente al ir completando una composición.  Aprecien estas imágenes con las cuatro frutas ya completadas, transformándose la idea que teníamos sobre esta práctica de pintura, cuando teníamos una o dos frutas listas #EnAcuarela.  Con estos avances descubrimos el potencial que tiene nuestra obra, lo que es parte de aprender también a pintar.  Podríamos dejarla así, con el fondo blanco, pero si damos el paso de darle un color al trasfondo y de realzar el volumen de las frutas, como si estuviéramos representando que las mismas reposan sobre una superficie, de seguro cambiaremos el escenario a algo mucho más impactante.  Para hacer esto, lo primero que requerimos es escoger qué color va a tener el fondo.  Éste es un momento donde hay que lograr un balance, donde conseguiremos un buen efecto, sin hacer que se pierda la intensidad de los colores que predominen en la pintura.  Para ello, si con el color blanco resaltan las papayitas con su naranja rojizo, pues entonces un tono celeste suave es un buen cambio para dar un tono al fondo, ya que no está lejos de la limpieza y pureza del blanco.  En efecto, si aplicamos un tono celeste muy suave, logrado diluyendo en blanco un poco de pigmento de acuarela en tono turquesa azuloso, logramos ese manto de color sobre el cual reposan las frutas.   

    Aplicamos progresivamente el tono celeste, con una primera capa lo más suave, para dejar secar y pasar a una 2º mano. Con el resultado final, la impresión que tenemos es que las frutas flotan, pero podemos hacerla aterrizar para dar la idea que reposan sobre esta gran superficie; para ellos sólo tenemos que proyectar las sombras, siguiendo la forma de las papayas.  Es aquí cuando la toma original que empleamos desde el inicio del ensayo, nos sirve para tener una guía para definir los efectos de la luz, para lo cual dejamos desde un principio marcadas  las proyecciones individuales de cada papaya.  La clave aquí es entender que pintar una sombra tampoco es rellenar una forma en tono oscuro: Es definir el tono que vamos a utilizar para representarla y ver toda su proyección, donde hay degradaciones. 

    En palabras sencillas, un buen efecto de sombra, toma como referencia el tono de la superficie sobre la que se va a reflejar, para un gran resultado.  Si tenemos un fondo celeste, un tono azul oscuro es una buena elección, distinguiendo que las zonas más “claras” de la sombra, serán un poco más oscuras que el fondo, a modo de un celeste más fuerte.  Para la parte más “oscuras” de las sombras, donde inicia la proyección del efecto del volumen sobre la superficie, el tono empleado es un azul intenso con énfasis en ese punto donde arranca la forma.  Observen cómo estos tonos de una vez resaltan los colores verdosos amarillentos del borde de las papayas y cómo las mismas se transforman de piezas sueltas, a frutas con un volumen proyectado sobre nuestro fondo. 

    Ésta ha sido nuestra primera presentación en este Blog “Desde el Taller”, les compartimos el enlace a nuestroálbum de Facebook para que puedan observar y repasar el progreso de esta #Práctica #Rápida de “Pintando Papayitas”.  ¡Seguiremos con más #EnAcuarela!

¡Un abrazo,  #EnAcuarela!

Melissa G.

@MelissaGuardiaV

#pintar, #frutas, #papaya, #papayitas, #composición, #arreglo, #frutas, #acuarela, #texturas, #colores, #tonalidades, #arreglo, #formas, #conjunto, #arreglo, #práctica, #rápida, #sombras, #fondo, #melissag, #melissagenacuarela, #MelissaGuardia

#Desde el #Taller: “Pintando Papayitas-Parte 2”.

#Desde el #Taller: “Pintando Papayitas-Parte 2”.

Viene de artículo anterior: #Desde el #Taller: “PintandoPapayitas-Parte 1”.

    Continuamos con nuestra “práctica rápida” (#PrácticaRápida), pintando #papayitas.  Con los avances para definir la textura naranja rojiza de la fruta, el reto llega en la parte central donde se acumulan las “pepitas” o “semillas”.  Tenemos que ir construyendo detalle a detalle esa idea de un volumen brillante de pequeñas esferas de una tonalidad oscura.  Aquí tenemos que observar de manera especial los tonos presentes en estas semillas, porque de forma inicial se puede pensar que se trata de pintar todo en color negro, pero la clave aquí es distinguir las zonas más claras de las más oscuras, de manera tal de guardar las partes donde la luz resplandece, dándole este toque de frescura a las frutas.

    Observando las fotos o tomas de guía, se pueden apreciar que las zonas más suaves en las pepitas de papaya poseen una tonalidad grisácea transparentada, mientras que las más oscuras no son totalmente negras, sino que alternan otros tonos entre los grises y chocolates profundos.  Estos mismos tonos los empleamos para ir definiendo una a una las formas circulares, pasando una capa suave de un tono negro mezclado con un tono blanco para degradar el color a un grisáceo, más otras áreas donde se aplicó el color negro mezclado con chocolate, para un efecto de color más suavizado, sin dejar de dar la idea de profundidad. Una de las tácticas importantes para ir construyendo un buen efecto es aplicar el pincel variando la cantidad de agua en el color, para ir alternando la intensidad de los colores utilizados. Otro dato importante es dejar un espacio en blanco sin aplicar color, para guardar aquellas zonas donde se refleja la luz. El resultado es un grupo de pinceladas variando de intensidad que nos servirá para terminar de construir la idea de volumen con la acuarela.

    El siguiente paso es definir la forma manteniendo las gradaciones o variaciones entre los tonos aplicados.  Al referirnos definir la forma, hablamos precisamente de crear esa idea de volumen en cada una de las pepitas o semillas de las papayas.  Con solo marcar uno de los extremos de las pequeñas esferas siguiendo el perfil curvo de las mismas, transformamos un grupo de pinceladas, en formas que sobresalen eliminando la imagen plana que tenían anteriormente.  Con estos detalles aplicados en cada una de las semillas, se va formando la sensación de un grupo o puñado de las mismas, donde se proyecta también, dado la diferencia de tonalidades, que algunas pepitas están más al fondo y otras se acumulan una sobre otra, destacando en primer plano las que tengan una tonalidad más oscura o intensa.  

    El toque final para este ejercicio de detalle y variaciones de tonalidades al pintar, se perfecciona dejando secar completamente la acuarela en el papel y ver el resultado final de las tonalidades.  Después de este proceso de secado, puede retocarse perfilando las variaciones logradas.  Dado el pequeño tamaño de las pepitas vs las pinceladas aplicadas, aquellas zonas donde pudo haberse concentrado más color entra las pequeñas esferas, puede aplicarse un poco de mezcla de acuarela en tono negro mezclado con blanco (Chinese White) para transparente las zonas que hayan secado muy oscuras.  Sólo basta aplicar una rápida y suave pincelada en estas zonas para terminar definir el grupo de semillas o pepitas de estas coloridas papayitas; también puede aplicarse de esta mezcla gris pero con más agua, en parte de las zonas que se dejaron en blanco, para dar la idea de un brillo donde se transparentan las tonalidades más suaves.

    De una vez resalta el contraste de colores y las texturas dando la idea de jugosas frutas.  Podemos aplicar estas mismas técnicas en todas las demás frutas de nuestra composición. En la próxima publicación explicaremos los últimos pasos, y veremos cómo conociendo los métodos para lograr un buen efecto, podemos pasar a practicar pintar en acuarela con mayor soltura y rapidez. Seguiremos con más de esta “práctica rápida” hasta completarla.  Nuestro álbum en Facebook con fotos del progreso de este ensayo #EnAcuarela: "Pintando Papayitas". 

¡Un abrazo,  #EnAcuarela!

Melissa G.

@MelissaGuardiaV

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“#Desde el #Taller: Pintando Papayitas-Parte 1”.

#Desde el #Taller: "Pintando Papayitas-Parte 1”.

   Bienvenidos a una de las partes más importantes de mi mundo #EnAcuarela, #Desde el #Taller es una de las secciones donde les compartiré lo más actualizado sobre mi trabajo con la #acuarela, en especial para hacerles llegar consejos prácticos que he aprendido con cada obra que realizo en mi #Taller o área de trabajo de Arte.   

   Me encuentro realizando lo que he denominado una “Práctica Rápida”, en esta ocasión pintando frutas, específicamente un grupo de llamativas papayas o papayitas, dado que la inspiración apareció con un grupo de pedazos cortados por la mitad de estos frutos muy representativos de lo tropical.  Precisamente una práctica rápida necesita tener muy definidos el tema y los colores, dado que su objetivo principal es realizar un trabajo con mayor celeridad que una obra más compleja, pero sin dejar de tener un grado de interés y sobre todo objetivos para ensayar técnicas o reforzar el aprendizaje sobre un tema en particular.  Para el caso de “Pintando Papayitas”, las metas son prácticas y claras: Ensayar cómo hacer una buena composición y ensayar lograr el efecto de texturas.

    Lo primero que les comparto es que pintar frutas es ideal para aprender a armar una composición.  Sólo necesitamos jugar un poco con los elementos, comenzar a moverlos hasta lograr un arreglo interesante y armonioso.  La tecnología nos da recursos prácticos para hacer algo sencillo: Tomar fotos digitalmente, escoger cuáles vamos a usar como modelos y luego imprimirlas, para recortarlas siguiendo las formas de las frutas y literalmente, tener nuestras papayitas virtuales para empezar a moverlas sobre el papel donde vamos a pintar. De esta forma tenemos una sencilla manera de ver cómo se logra una composición, que puede traducirse en un buen arreglo, una buena presentación y sobre todo, una forma interesante.  Es el mismo principio que se puede emplear para crear un afiche  o un diseño gráfico que se puede reproducir en cualquier material, como un diseño textil para dar un ejemplo.  El primer resultado ha sido un conjunto de cuatro (4) papayitas colocadas en armonía, con buena distancia entre ellas, y formando un ritmo o patrón entre sí que nos da la idea de balance.

   Con nuestra composición, llega la hora de aplicar el color.  Aquí tenemos colores muy definidos, pero es ese tono naranja rojizo el que le va a dar la identidad a las frutas o pequeñas papayas, pero no bastará con reproducir las tonalidades, sino también debemos reproducir la textura de las mismas. Tenemos que observar muy bien las tonalidades de las frutas, para lograr las áreas más intensas en color hacia el centro de las mimas, así como también definir las zonas más claras hacia los bordes o las zonas donde se mezclan algunos tonos más amarillos e incluso algunas notas en verdes por la presencia de la cáscara de las frutas. 

    Luego de lograr esas degradaciones de colores, llega el momento de romper un poco con la uniformidad en los tonos y usar el pincel para crear la idea de volumen, de una superficie con más capas para dar la idea de una fruta pulposa, que no es plana.  Cambiar la dirección de los trazos con el pincel ayuda a crear esa idea de una fruta que al ser cortada, posee distintos niveles en su superficie, viéndose jugosa y apetitosa. Con este objetivo logrado, podemos reproducir esta misma técnica en las demás frutas, así como pasar a los siguientes detalles, como las “pepitas” o semillas agrupadas en el centro, que le dan esa identidad a las coloridas “papayitas”. Ésta fue la parte 1 #Desde el #Taller, seguiremos con más avances en la siguientepublicación de este sección del Blog. .  Les comparto el enlace a nuestro nuevo álbum en Facebook: “#Papayitas: #Pintar #Frutas”, una práctica #rápida #EnAcuarela".

¡Un abrazo,  #EnAcuarela!

Melissa G.

@MelissaGuardiaV

#pintar, #frutas, #papaya, #papayitas, #composición, #arreglo, #frutas, #acuarela, #texturas, #colores, #tonalidades, #arreglo, #formas, #conjunto, #arreglo, #práctica, #rápida, #Arte, #MelissaGuardia, #melissag, #melissagenacuarela, #enacuarela